El montaje escénico «Vigía» (2026), una ambiciosa coproducción birregional entre Pseudónimo Compañía de Arte Contemporáneo y Colectivo Nómade, se consolida como una propuesta escénica radical que desafía cualquier intento de taxonomía tradicional. Al situarse deliberadamente fuera del canon, la obra transita en una hibridez ecléctica que desborda las fronteras de la danza, el teatro, la poesía y el lenguaje audiovisual. No es ninguna de estas disciplinas por separado, sino una manifestación de la performance tecnopoética donde el escenario se transforma en un ecosistema vivo de control y resistencia.
A diferencia de otras propuestas de la cartelera de finales de 2026 en la misma sala —como la inmersión en 360° de «La Sobremesa» de Gaby Pavez o el reestreno histórico de «Matadero Alma» de Danza en Cruz—, «Vigía» no busca la complacencia del espectador ni la celebración del repertorio, sino la confrontación directa a través de un dispositivo de vigilancia interactivo compuesto por pantallas, mapping, cámaras en circuito cerrado y un denso cableado expuesto que atrapa los cuerpos.
[ EL DISPOSITIVO (VIGÍA) ]
Cables · Cámaras · Datos · Algoritmos
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(Tautología/Retorsión) (Paradoja)
Usa la tecnología del control El error humano brilla
para criticar el control. a través de la máquina.
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[ CUERPO EN TRINCHERA ]
Agotamiento · Resistencia · Vivo
LA ESTRATEGIA DE LA RETORSIÓN: ATACAR AL ALGORITMO CON SUS PROPIAS ARMAS
El núcleo conceptual de «Vigía» opera bajo una evidente paradoja y autorreferencialidad retórica. La obra se levanta como una crítica abierta a la «receta algorítmica» y a la cuantificación de la cotidianidad, los afectos y las memorias en datos consumibles. Sin embargo, para ejecutar esta crítica, la puesta en escena utiliza exactamente las mismas herramientas que denuncia.
Esta operación se traduce en una retorsión escénica: una estrategia argumentativa donde la pieza devuelve el golpe al adversario digital utilizando sus propias palabras y recursos. Al exponer el cableado e integrar cámaras que transmiten en tiempo real, la obra no esconde el mecanismo de control; lo hiperboliza. El espectador y el intérprete quedan atrapados en un doble rol donde observar y ser observado se vuelven un juego especular, una antítesis visual donde la fría métrica de la pantalla resalta, por puro contraste, la fragilidad de la carne.
LA POÉTICA DEL ERROR COMO INVERSIÓN DEL ARGUMENTO
Frente al imperativo tecnológico de la perfección artificial, «Vigía» propone una poética del error. Si el sistema digital busca la eficiencia sin fisuras, la obra introduce la duda, la emoción ambigua y el fallo técnico como manifiestos políticos. Esto funciona como una inversión de argumentos (antimetábole): el error ya no es un defecto del sistema, sino la prueba irrefutable de humanidad.
El cuerpo se ofrece como trinchera. Frente a las cámaras que todo lo registran y miden, los intérpretes bailan hasta el absoluto agotamiento físico. En este punto, la tautología se rompe: el cuerpo no puede ser completamente traducido a datos porque su sudor, su fatiga y su pulsión visceral escapan a la métrica. La obra demuestra, mediante una verdad profunda y paradójica, que la resistencia no se hace fuera de la red, sino habitando sus contradicciones más profundas y llevando la máquina al límite de su propio colapso vivo.
El montaje se consolidó a través de un proceso de tres residencias artísticas financiadas por el Fondo de Artes Escénicas 2026, las cuales se llevaron a cabo en el Centro Cultural Bailarines de los Ríos (Valdivia), el CRTIC (Pucón) y el Centro NAVE (Santiago). Tras su estreno en el Teatro Regional Cervantes de Valdivia y su paso por el Teatro Galia de Lanco, tuvo su temporada en la Región Metropolitana en espacios como Matucana 100
FICHA ARTÍSTICA: Dirección coreográfica: Ninoska Soto. Textos: Luna Ivanoff. Intérpretes / Performers: Ninoska Soto, Luna Ivanoff, Gustavo Pavez y Gabriel Miranda. Mapping y visuales: Gustavo Pavez. Diseño lumínico: Gabriel Miranda. Duración aproximada: Cerca de 45 minutos (recomendada para mayores de 15 años).
