LA EDUCACIÓN DE LA DIRECCIÓN ESCÉNICA ES PRECARIA.

La enseñanza de las artes escénicas en el país siempre ha gozado de buena salud. Ellos han seguido el mítico ejemplo dejado por los Diálogos Platónicos, donde se impartían y dialogaban los conocimientos y aprehensiones a través de preguntas, respuestas y ejemplos entre maestros y alumnos. En estos tiempos complejos, nos enteramos de la existencia de la primera escuela de dirección escénica en línea, conocida como Núcleo de Autoría Escénica. NAE. Para enterarnos de su modelo de enseñanza, cuerpo académico y proyectos en que se han involucrado, hablamos con Julio Bustamante, cofundador de NAE.  

1- ¿Qué es el Núcleo de Autoría Escénica? ¿Cómo se gestó el nacimiento del Núcleo y quienes son sus fundadores?

NAE es la primera escuela de dirección escénica en línea. Es un proyecto de educación artística que busca contribuir al desarrollo y descubrimiento de nuevos creadores para las artes escénicas. En primera instancia, ofrecemos un diplomado, seminarios, clases magistrales y charlas conversatorios.

Durante el año pasado varios de nuestros proyectos presenciales fueron suspendidos o postergados por la situación sanitaria. Por eso, nos pusimos a pensar que teníamos que explorar las posibilidades del mundo digital. Esto mismo se conjugó con el deseo de poder transmitir un conocimiento que hoy no se enseña en torno a la dirección escénica.

Asimismo, el proyecto fue concebido de manera independiente y autogestionado. Entendemos que muchas veces excelentes iniciativas se quedan sin poder ver la luz por quedar fuera en la eterna búsqueda de subvenciones públicas. Otras veces, los juicios de los evaluadores concluyen que las propuestas no son viables. Entonces, en medio de la pandemia, se nos ocurrió que crear una escuela en línea era algo que iba a tener una funcionalidad en el futuro y esperar a recibir financiamiento podía hacer que el proyecto no se materialice nunca.

El equipo fundador está conformado por Andrés Pedreros Campos, Felipe Rivera Valencia, Eduardo Durán Molina y Julio Bustamante Escalona. Todos actores y la mayoría también directores. Luego, se nos sumó Felipe Gutierrez Cumming, quien ha trabajado diseño, plataforma de e-learning, informática y creación de publicidad en general.

2- De acuerdo a la realidad escénica y performática que Uds poseen del teatro chileno: ¿Qué carencias estima NAE que deben corregirse de la escena nacional?

Hoy la escena nacional goza de buena salud. Con el boom de las escuelas de teatro de principios de siglo, se llenó de nuevas compañías y nuevos realizadores, hoy se estrenan más obras de teatro al año que nunca.

Eso es un arma de doble filo, ya que las calidades son muy diversas y las percepciones de los espectadores pueden ser ambiguas en relación a la misión transformadora del teatro. Hoy se hace mucho teatro entertainment y llena las salas.

No critico eso, solo que se hace más difícil hacer una evaluación. Por otro lado, ha ido desapareciendo el teatro independiente, las salas del under ya no existen. Hoy todas y todos los realizadores se conducen hacia el oficialismo, todas y todos quieren llegar al GAM, a Matucana 100, a las salas privadas y subvencionadas. Antes existía un movimiento teatral más alternativo.

Creo que dejar de creer que el teatro chileno es el teatro que se produce únicamente en Santiago. Es tiempo de ver y financiar a los realizadores de las provincias, que ya llevan bastantes años de desarrollo y que representan realidades que Santiago no quiere mostrar.

A nivel educacional, la gran cantidad de escuelas para actrices y actores son un arma de doble filo. Se educa a muchas personas para que paguen por una educación y luego terminan en la cesantía o para que luego entre muchos se disputen por muy poco. La competencia de hoy es alta, los agentes culturales se multiplican y su representatividad social es bajísima.

En cuanto a la educación de directoras y directores de escena, la realidad nacional es precaria y ahí nosotros vimos una oportunidad. La dirección escénica en Chile es un oficio que muchas y muchos ejercen sin tener las herramientas necesarias. La mayoría de las personas que ejercen el oficio jamás estudiaron dirección y se cree que con el haber estudiado teatro (actuación) o el haber sido dirigido es suficiente para comandar una producción.

Es escasa la formación académica para directores en nuestro país. Hubo un magíster y hoy hay un par de diplomados y no mucho más.

En mi caso, que he estudiado la dirección integral, entiendo que hay cosas que se aprenden, que se leen, que se estudian, que se analizan y que se practican. Pero que no tienen nada que ver con el trabajo de las actrices y actores. La formación del director contiene técnicas distintas a las que se le entregan a los estudiantes de actuación. Es otro universo creativo.

3- ¿Cuáles son los ejes educativos y conceptos, relacionados a las artes escénicas, en que se van a centrar con el sistema de enseñanza NAE?

Pretendemos desarrollar una enseñanza más intuitiva y libre que la que ofrecen las universidades con conceptos más acabados y nombres específicos para cada cosa. En NAE, la formación está directamente relacionada a la experiencia del docente, sus conceptos propios, sus referentes y su desarrollo como creadores. Pensamos una educación que pase por una etapa de referencias, otra etapa de herramientas técnicas y una última de disparador de ideas y desarrollo de conceptos propios y autenticidad. La autoría como ejercicio individual e irrepetible es el sello propio de cada estudiante y, a su vez, constituye una idea de obra de arte nueva que hoy desconocemos. Queremos sorprendernos con el trabajo de las y los estudiantes.

4- Cuéntanos Julio, quienes integran el cuerpo docente que va a impartir el concepto educacional del NAE; quienes son y bajo qué criterios van a trabajar.

Son más de 30 docentes y pueden conocerlos a todas y todos en nuestra página web (www.nucleodeautoriaescenica.com) y en nuestro Instagram (@nucleo_autoria_escenica) con sus reseñas detalladas y fotos de sus trabajos. Dentro de ellos, puedo destacar a grandes figuras como Antonio Fava, Emilio García Wehbi, Delight lab, Alberto Kurapel, entre otros. En este primer ciclo contamos con docentes de Italia, Argentina y Chile, más adelante se integrarán más profesores nacionales e internacionales.

El trabajo se da desde una libertad orientada hacia los tres niveles que comentaba antes. El diplomado tiene 3 niveles: referencial, técnico y desarrollo de proyecto autoral. Dependiendo de cada nivel las y los docentes compartirán los instrumentos que les han permitido a ellos desarrollar autoría escénica.

5- En la presentación de su sitio web, ustedes enfatizan a la autoría como medio estético, de montaje, provocación y autenticidad: ¿Nos puedes profundizar más en aquello para diferenciar estos conceptos de otros organismos educativos?

Pensamos la autoría como un acto único e irrepetible o también como “el sello propio”, asociado a los componentes de la escena que en resumen albergan forma y contenido, imágenes en movimiento y conceptos. Por un lado, a nivel de conceptos es donde creemos que el arte debe ser siempre crítico con la sociedad y los organismos gubernamentales. Con la provocación se pretende despertar ideologías y formas de entender y vivir la vida. En cuanto a la forma, hoy la escena goza de multiplicidad de recursos. Esta gran cantidad de recursos y alternativas nos obliga a pensar en usos aún más novedosos de la escenotecnia y en nuevos dispositivos escénicos.  

No hago comparaciones con otros modelos educativos. Es desgastador criticar las formas de los otros, hoy no me interesa mirar mucho hacia el lado. Nosotros tenemos nuestra propia forma de entender la educación artística y cómo desde ahí podemos contribuir a una mejor sociedad. Buscamos una manera de aportar a nuestro entorno y favorecer que el consumo de cultura sea mayor y de mejor calidad. Eso es lo que realmente nos importa hoy.

6- ¿De qué forma estiman Uds que va afectar la enseñanza de las artes escénicas, la pandemia que nos azota en estos momentos?

Eso ya está a la vista, se coarta la presencialidad, pero se desarrollan los medios audiovisuales. Se depende de internet como nunca antes, por lo cual el ejercicio mismo deja de ser algo de piel y pasa a ser algo de conectividad. Ya se está enseñando a actuar desde micropantallas, ya se hacen “obras de teatro” con las ahora videollamadas “puestas en pantalla”. Es raro, le falta alma. Hay cosas que se pueden hacer desde el computador y otras que por suerte no.

Sin embargo, la enseñanza en línea que me parece algo novedoso y que irá mejorando con el tiempo, con la realización en línea de espectáculos escénicos que, en mi opinión, jamás reemplazarán al arte vivo y la interacción de los intérpretes con los espectadores.

7- Siendo sus clases bajo la modalidad online, ¿Qué opinión les merece el teatro zoom y cómo han utilizado los artistas escénicos este recurso digital?

Respeto profundamente a todas y todos los trabajadores del teatro en estos tiempos. Luchadores incansables que buscarán todos los medios posibles para que el teatro siga siendo resistencia. En cuanto al teatro por zoom, me parece que los contenidos discursivos pueden funcionar. No obstante, los contenidos estéticos son horribles y el fenómeno sensorial del teatro no se produce. Debería tener otro nombre. No es un nuevo teatro. Es audiovisual, videoarte, otra disciplina que demanda del conocimiento profundo de la narrativa audiovisual.

8- ¿Qué opinión tienen de la formación de profesionales del espacio escénico, en Chile y en Latinoamérica, actualmente?

En Chile ha mejorado muchísimo, las y los diseñadores se han puesto a la altura de los directores en cuanto a su importancia y el aporte a la innovación. Para mí, hoy el espectáculo debe contener una instalación visual dinámica (que muta) proveniente de las artes plásticas, una narrativa que se asocia al desarrollo de algún tipo de fábula, discurso verbal literario poético, más nuevas formas de contar historias y del elemento performativo que aportan los intérpretes en vivo. Una Instalación Narrativa Performática. Si analizas esto, te darás cuenta que hoy la importancia en el discurso pasa por la forma y esa forma te la aportan los profesionales del espacio escénico, diseñadores escénicos integrales. Actualmente, ellos tienen mayor valor que nunca, se desarollan, están en la innovación y transgresión constante.

Pie de foto: proyectos escénicos en que ha trabajado el Stafft de NAE: “Replica”; “Tiestes y Atreo”; “Alberto Kurapel”